La 'belle époque' de San Sebastián

Llegó al País Vasco desde Extremadura con 20 años para trabajar en un banco, pero se enamoró de la fotografía. Ricardo Martín se convirtió en el retratista oficial de San Sebastián desde 1915 hasta su muerte, en 1936. Ahora un libro recoge su trabajo y le rinde homenaje. Por Lourdes Gómez

Tarde en las carreras

La Primera Guerra Mundial benefició a San Sebastián. Mientras Francia y Bélgica se desangraban, España permanecía neutral. Así que cuando los europeos cancelaron sus espectáculos y cerraron sus hipódromos, Donostia decidió construir el suyo. Fue en un reclamo para las clases altas, y Martín pasó a ser el fotógrafo de caballos y grandes fortunas.

Pintar una época

Ricardo Martín fue un todoterreno de la fotografía. Lo mismo cubría los eventos políticos y de sociedad que los accidentes, como este de la imagen. el hundimiento de un barco en el puerto de Pasaia en 1919. También fue el primero en fotografiar la costa vasca desde un aeroplano.

Las alegres chicas de la Concha

Martín recorría las playas y los barrios buscando a veces tan solo simpáticos testimo-nios gráficos, como estas bañistas en la Concha. Sus instantáneas se publicaban en prácticamente todos los periódicos vascos de la época.

La fiebre del deporte

En el periodo de entreguerras surgió el deporte como fenómeno social. No solo el fútbol, que Marín seguía desde que en 1910 tomó la primera foto de un equipo llamado a convertirse en símbolo de la ciudad. la Real Sociedad; también la natación, el tenis, el ciclismo y el baloncesto.

El vértigo de la velocidad

El otro fenómeno en San Sebastián eran los coches, y Martín también lo cubrió. El circuito automovilístico de Lasarte acogía a las grandes escuderías mundiales y en él corrían los mejores pilotos. Eso desató la pasión por las velocidades ‘supersónicas’ en toda la ciudad.

Famosos en el coso

Por San Sebastián pasaban célebres escritores, actores, artistas… Además de los nacionales, como Azorín, Sorolla y Baroja, habituales de sus calles y sus costas, también estuvieron Buster Keaton, Josephine Baker y Charlie Chaplin, en la foto asistiendo a una corrida de toros.

Antes de la guerra

Ricardo Martín creó su propio laboratorio en 1915, Photo Carte, el primer estudio en utilizar la luz eléctrica en Donostia. El fotógrafo falleció con solo 54 años, unas semanas antes del inicio de la guerra civil, en 1936. Su hijo Vicente continuó con el negocio fotográfico hasta su cierre, en 1991.

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PARA SABER MÁS

El libro Ricardo Martín está publicado en La colección Photobolsillo, que edita La Fábrica. La exposición sobre el fotógrafo se inaugura en la Sala Kubo-Kutxa, de San Sebastián, el 4 de noviembre.

"Foam" by Hendrik Kerstens

Duane Michals, la fábula de un sueño

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Ah Dreams (1984). DUANE MICHALS. CORTESÍA DC MOORE GALLERY, NUEVA YORK Y JACKSON FINE ART, ATLANT

Cuando era pequeño, Duane Michals (McKeesport, Pensilvania, 1932) pensaba que existían muchas lunas. De mayor, comprobó que la realidad tenía múltiples versiones y que es la impronta única e individual del hombre la responsable de toda gran obra de arte. Así, en los años sesenta, en una época en que el mundo de la fotografía estaba fuertemente influido por el fotoperiodismo y su estética, inició su propio camino con un discurso en contra de los confines naturales del medio: fue a Egipto, y en vez de fotografiar las pirámides construyó una fotografiando el proceso; más tarde fotografió a un abuelo despidiéndose de su nieto en su camino hacía el cielo; cuando retrató a Magritte quiso fotografiar los sueños de artista belga, no su apariencia.

A sus 84 años Michals es hoy en día uno de los grandes maestros y renovadores del medio. Nunca utiliza su cámara para captar momentos de la realidad, sino como un instrumento para revelar cuál es su propio estado interno, sus ideas sobre el mundo o sobre su propia existencia. Le gusta destacar que es su inmensa curiosidad lo que le separa del resto de los fotógrafos: “Si veo una mujer llorando quiero saber por qué llora, cuál es la naturaleza de su tristeza, cómo se fotografía la tristeza, no las lágrimas“, explicaba el artista en una conferencia que sirvió de complemento a la muestra organizada por la Jackson Art Gallery de Atlanta, The Narrative Photography. La exposición recorre la trayectoria del artista y reúne sus clásicas secuencias fotográficas junto con sus series de fotografías pintadas a mano.  A esto se suma una selección de las obras de sus últimos tiempos, ferrotipos pintados a mano en vivos colores que incluyen algunas dedicadas a sus hombres de letras favoritos, entre ellos Sartre, Proust, Apollinaire, Voltaire y Genet. Si en sus comienzos el autor se apropió de los efectos del cine mediante la secuencia de imágenes para lograr una progresión narrativa, sus últimas obras evidencian su deseo de difuminar los límites entre la pintura y la fotografía.

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I Build a Pyramid (1978) DUANE MICHALS. CORTESÍA DC MOORE GALLERY, NUEVA YORK Y JACKSON FINE ART, ATLANTA.

Si hay algo que define al artista es su vitalismo, su iconoclasia y su ansia por experimentar en primera persona: ”Intento buscar mi propia verdad  a través de mi experiencia, ser fiel a mi propio instinto... Hay que prestar atención a nuestra mente. Estamos distraídos por el ruido de nuestra cultura“, decía el artista en una entrevista en 1981 con Barbaralee Diamonstein, donde destacaba su afición por el pensamiento oriental. “La fotografía debe contradecir. No debe dar respuestas sino suscitar preguntas, como lo intentan las religiones orientales”, señalaba. “Un fotógrafo debe intentar mostrar el porqué y el cómo, sin embargo, muchos se quedan en el qué.”

Desde muy joven sintió una atracción por el arte. Fue diseñador gráfico antes de utilizar por primera vez una cámara prestada durante un viaje a Rusia en 1958. Fue entonces cuando se dio cuenta de que quería ir más allá de los límites impuestos por el 'momento decisivo', acuñado por Cartier-Bresson, de esa sola imagen que encierra un momento único. Las cosas que le interesaban, no estaban en la calle; no le quedaba más remedio que recrearlas. Así nacieron esas imágenes seriadas a las que más tarde incorporaría texto. Le interesaba contar historias que hablaran de la espiritualidad, del sexo, de la religión, de la belleza o de la muerte, de cualquier tema que ayudase a describir la esencia del ser humano, pero sin olvidarse de otro de los atributos que mejor le describen: el sentido del humor. De esta manera, se ganó el calificativo, por parte de algunos críticos, de narrador de relatos cortos, con el que parece sentirse satisfecho: “Dibujo letras”, matiza, “no las escribo”. “Nunca he creído que una imagen vale más que mil palabras, si le hago un retrato, no me va a decir nada acerca de su acento inglés; nada acerca de su persona... Un sesenta por ciento de mi obra es fotografía y el resto es escritura”, contaba el artista a Siobhan Bohnacker del The New Yorker.

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Flaubert, 2013 DUANE MICHALS. CORTESÍA DC MOORE GALLERY, NUEVAYORK Y JACKSON FINE ART, ATLANTA.

Nació en McKeesport, en el estado de Pensilvania, cerca de donde lo hizo Andy Warhol, con quien trató en distintas ocasiones, convirtiéndose en protagonista de uno de sus retratos, así como en diana de sus críticas, como lo fueron Cindy Sherman, Andrés Serrano, Thomas Ruff o Wolfgang Tilmans en su serie Foto Follies: How Photography Lost Its Virginity on the Way to the Bank, una mirada satírica y jocosa al mundo de la fotografía actual y su mercado.

Sin embargo, se considerada un admirador de Atget, como lo fueron también sus admirados artistas surrealistas, entre ellos De Chirico y Magritte. Los laberintos del inconsciente, la puerta de misterio, su ansia de libertad y por encima de todo sus sueños. seguirán marcando el camino de este artista inconformista.

“AH SUEÑOS, esos meteoros luminosos, que iluminan el cielo nocturno de nuestra consciencia, su propia realidad”, escribe el artista.

Duane Michals. The Narrative Photography. Jackson Fine Art Gallery, Atlanta, EEUU. Hasta el 3 de diciembre

Joachim Koester,"Tarantism", 2007.

Tarantism is the name of disease which appeared in southern Italy, resulting from the bite of a spider called Tarantula. This bite caused various symptoms, such as nausea, difficulty to speak, delusion, excitability and agitation. The victims suffered then from convulsions and the only way to heal them was to engage in a frenzied dance, as it was believed.  Called "Tarantella", this dance, appeared during the Middle Ages and was danced all along the 19th century.
To make this video, the artist asked a group of dancers to perform this uncontrolled dance in order to explore this borderline mental and physical state, close to a trance. Tarantism represents a transition in the artist's work, who brings a story back to life simply through the movement of these completely disarticulate bodies, without referring to images extracted from reality, thus exploring a purely mental territory.

Masao Yamamoto

DIANE ARBUS. NEW YORK FOTÓGRAFA 1923-1971.

DIANE ARBUS. NEW YORK FOTÓGRAFA 1923-1971.

Masao Yamamoto

Carlos García-Alix

steve mccurry

Esta superestrella es uno de los mayores coleccionistas de fotografía del mundo

Entre canción y canción Elton John compraba Man Rays. En plural. El compositor y cantante inglés es el dueño de una de las grandes colecciones de Fotografía del mundo. Esto ha pasado desapercibido hasta la semana pasada. El día 10 la Tate Modern de Londres inauguró la exposición The Radical Eye y el mundo se enteró de que el hombre que compuso “Your song” es un gran coleccionista.

The Radical Eye es la primera exposición en Reino Unido de la Fotografía Modernista de la Sir Elton John Foundation. Es una rareza por muchos motivos.

1. HAY POCOS ARTISTAS EN ACTIVO QUE SE TOMEN EL COLECCIONISMO TAN EN SERIO COMO ELTON JOHN 

No es el único: Brad Pitt, Leonardo di Caprio o Bono (U2) también poseen buenas colecciones. La de John es particular por su especificidad: el reúne fotografía. Comenzó a coleccionarla en los 90, tras salir de un período de rehabilitación complicado. Antes ya había reunido una buena colección de joyería At Deco, Art Nouveau y muebles que vendió en 1988 por 8 millones de dólares. En esa época comenzó a coleccionar y hoy con más de 7000 imágenes que incluyen nombres icónicos como Kertesz, Tina Modotti, Rodchenko o el citado Man Ray, pero tambien artistas contemporáneos como Nan Goldin o Cindy Sherman. En The Radical Eye la Tate ha elegido un enfoque que es también el que preside su colección: la fotografía de los pioneros del siglo XX. La exposición muestra 200 obras de los artistas que eligieron a la fotografía, un medio nuevo y desconocido entonces, como herramienta de expresión. No solo hay nombres icónicos y más o menos obvios, también otros como Outerbridge, Berenice Abbot, Imogen Cunningham o Harry Callaghan. No es una colección caprichosa: es una de las mejores del mundo.

Lágrimas de cristal, de Man RayCortesía de The Radical Eye

2. LA TATE MODERN NO EXPONE A CUALQUIERA 

Aunque tenga una buena colección. Hacen falta más requisitos. Elton John los cumple. Es británico, que ayuda. Es sir, que también. Arrastra gente: importante. El día 1 de diciembre, día del SIDA, Elton John y David Furnish celebrarán una cena que incluirá una visita privada a la exposición. Los beneficios se donarán a la Elton John AIDS Foundation. Las entradas están a la venta. Esta exposición, además de garantizar visitas e ingreso, añade valor al museo y aquí pasamos al siguiente punto.

3. LA TATE TIENE POCA FOTOGRAFÍA DE COMIENZOS DEL SIGLO XX 

De hecho, tiene poca fotografía. No comenzó a coleccionarla en 2009. Apenas quedan obras clásicas en el mercado, por tanto, esta exposición es una ocasión única de ver allí fotografía. Es también el comienzo de una relación a largo plazo entre la Tate Modern y la Sir Elton John Foundation: habrá más exposiciones y el cantante donará piezas a la colección del museo. El director de la Tate, Nicholas Serota, se ha deshecho en agradecimiento ante la Sir Elton John Foundation: “Encontrar en Londres tales obras de arte en Londres va a ser una experiencia rara y gratificante”. El día de la inauguración había nervios en las salas del Switch Building, la ampliación del museo (también de Herzog&de Meuron) que acoge a la exposición. Elton John estuvo con la prensa que lo esperaba como la gloria nacional que es.

Dalí, por Irving Penn.Cortesía de The Radical Eye

4. LA COLECCIÓN ES POTENTE

Muchas de las fotografías clásicas que tenemos en la retina están aquí: Migrant Mother de Dorothea Lange, piezas documentales de Walker Evans, un desnudo de Edward Weston o el retrato que Irving Penn le hizo a Dalí o la Dora Maar y el rostro con lágrimas de cristal (Les Larmes) de Man Ray. De este artista se exponen 25, ojo, 25 piezas.

5. ES LA PRIMERA VEZ QUE SE REÚNEN ESTAS PIEZAS FUERA DE ESTADOS UNIDOS

El artista tiene parte de su obra en sus casas de Atlanta y Londres. Cuenta que en Atlanta, sobre su cama, cuelga la famosa “Noire et Blanche” de Man Ray. Dice que si un día se le cae encima y muere, al menos habrá muerto por culpa de un Man Ray. Delicioso snobismo.

*The Radical Eye: Modernist Photography from The Sir Elton John Collection se puede ver en la Tate Modern (Londres) hasta el 7 de mayo de 2017.

Nadador bajo el agua, de Andre? Kerte?sz.Cortesía de The Radical Eye

Madre Migrante, de Dorothea Lange.Cortesía de The Radical Eye

Maíz y hoz, de Tina ModottiCortesía de The Radical Eye

Bailarín, Willem Van Loon, de Ilse BingCortesía de The Radical Eye

Humanamente imposible, por Herbert Bayer.Cortesía de The Radical Eye

Nush Eluard, por Man Ray.Cortesía de The Radical Eye

Andre Kertesz - Budapest, 1914

2016

Glimpses of 19th-Century Shanghai in Hand-Colored Photos

William Saunders,” A Civil Mandarin” (1860s–70s), from his Sketches of Chinese Life and Character series

William Saunders, ‘An Ingenious Device” (1860s–70s), from his Sketches of Chinese Life and Character series

William Saunders, “The Hand Carriage” (1860s–70s), from his Sketches of Chinese Life and Character series

In 1862, the British photographer William Saunders established one of the first photography studios in Shanghai. Locals and travelers alike sat for his camera, and the resulting images allowed many people to see themselves in a new form that cost much less than the traditional genre of painted portraits. Although they were originally albumen silver prints, they featured color, like paintings: Saunders likely hand-painted them himself; his studio, which hired Chinese artisans, was actually responsible for producing the first hand-colored photographs of China.

William Saunders, “A Ningpo Family” (1860s–70s), from his Sketches of Chinese Life and Character series

The first public exhibition devoted to his work is now on view at the China Exchange in London as part of Asian Art in London. Curated by Stacey Lambrow, the more than 35 prints arrive from the Stephan Loewentheil Historical Photography of China Collectionand capture the faces and costumes of Shanghai during the late Qing dynasty, all framed by the conventional trappings of European portraiture.

Originally an engineer, Saunders had first travelled to China in 1860, when he was about 28 years old. Upon returning to Great Britain, he studied photography and then returned east with his gear to settle down and set up shop. His photography studio, according to Lambrow, was Shanghai’s most successful. It helped that it stood near the famous, Westerner-owned Astor House Hotel(which, previously called the Pujiang Hotel, had then just received its English name), situated at the center of social activity by the city’s waterfront. Saunders opened his business at a period when foreign shops in general were emerging in that neighborhood, developing the Bund into a commercial, modernizing hub.

Many of his photographs capture these changes occurring in the city, discernible in hairstyles, clothing, and props. Some of his female sitters wear traditional silk dresses and have their hair in elaborate updos but sit in Western-style chairs, with their feet unbound and in slippers. Other women still have their feet wrapped tightly, such as a pair who freeze for the camera with parasols — a highly fashionable accessory at the time. Another photograph, taken outside the studio, shows barbers at work: as one shaves his customer, another braids a man’s hair in a queue — the style imposed by the Manchus during the Qing Dynasty that had ousted the Han topknot.

William Saunders, “Itinerant Barbers” (1860s–70s), from his Sketches of Chinese Life and Character series

Saunders certainly worked with the eye of a Westerner and with the notion of presenting his works to an audience beyond China. The portraits in this exhibition arrive from Sketches of Chinese Life and Character Studies, a portfolio he published that illustrated journals and books all over the world later replicated, well into the 20th century, according to Lambrow. Many of these would have fascinated foreigners, such as his picture of a young man who sold colorful feather dusters — typically on the street, but here displaced in the quiet, isolated setting of the studio. Another documents Chinese theater actors in traditional masks and ornate silk costumes, posing rigidly as if for a yearbook class portrait.

Saunders’s studio closed around 1887. His successful enterprise benefited him immensely, but he also created jobs for Shanghai residents, employing them in his studio as well as assigning them to travel across the nation to take photographs. More broadly, his studio helped boost the presence of photography in the city immensely, and many Chinese artisans soon took on jobs as colorists for other emerging photographers or even became established photographers themselves.

William Saunders, “The Brush Seller” (1860s–70s), from his Sketches of Chinese Life and Character series

William Saunders, “Actors” (1860s–70s), from his Sketches of Chinese Life and Character series

William Saunders, “A Young Lady from Canton (Guangzhou)” (1860s–70s), from hisSketches of Chinese Life and Character series

William Saunders, “Shanghai Woman and Child” (1860s–70s), from his Sketches of Chinese Life and Character series

William Saunders, “A Canton (Guangzhou), Woman” (1860s–70s), from his Sketches of Chinese Life and Characterseries

William Saunders, “A Shanghai Woman” (1860s–70s), from his Sketches of Chinese Life and Character series

Life in Qing Dynasty Shanghai: The Photographs of William Saunderscontinues at the China Exchange (32a Gerrard Street, London, United Kingdom) as part of Asian Art in London through November 12.